コンセプチュアル・アートは、作品の価値を目に見える形からアイデアへと移した美術のムーブメントです。1960年代の後半に広がり、作品とは何か、美術とは何かという問いそのものを作品にしました。
1967年、ソル・ルウィットは「アイデアが芸術をつくる機械になる」と書きました。作品をどう作るかはあらかじめ決められた指示に委ねられ、作家の手による仕上げは重要ではなくなります。ジョセフ・コスースの《1つと3つの椅子》では、本物の椅子、その写真、辞書の「椅子」の定義が並べられ、ものと像と言葉のどれが椅子なのかが問われました。ローレンス・ウィナーは、1969年の「1月展」のカタログで、作品は作家が作ってもよく、他人が作ってもよく、作られなくてもよい、という趣旨の宣言を示しています。ここでは言葉そのものが作品の本体で、壁に描かれた文字はその実現の一つにすぎません。1968年には、ルーシー・R・リパードとジョン・チャンドラーが、こうした傾向を「美術の非物質化」と呼んでいます。
アイデアが作品になるなら、それを見せる場所も変わります。1969年、画商セス・シーゲローブは、展示室ではなくカタログそのものを展覧会とした「1969年1月5日〜31日」展（通称「1月展」）を開きました。ウィナーの宣言が発表されたのも、このカタログです。同じ年、キュレーターのハラルド・ゼーマンは、ベルンで「態度が形になるとき」展を開き、完成した作品ではなく、作家の態度やプロセスを見せました。作品だけでなく、展覧会の組み立て方もまた、アイデアを示すものになっていきます。
こうした仕事は、その時代への応答でした。作品が商品として売り買いされ、美術館や画廊という制度が作品の意味を決めていく。売れるものを作らない、展示室を必要としないという選択は、その外に出ようとする試みでもありました（その試みのゆくえは「美術の非物質化」の注釈に書いています）。だから当時の身振りは、あの時代だからこそ切っ先を持っていました。2020年代の現代に同じ身振りをなぞっても、同じ切っ先にはなりません。一方で、指示と実行、言葉による作品という形式は、道具として今も使われています。
aaploitの見方は、このコンセプチュアル・アートを出発点にしています。作品を見るとは、目の前のものを観るだけでなく、その作品の中に入り、その作品の問いと向き合うことだという考え方です。そのうえで区別しておきたいのは、言葉そのものが作品である場合と、ものとして差し出された作品に外から言葉を当てる場合は別だということです。前者では言葉がメディウムであり、作品は言葉の側で見ればいい。言葉が作品を追い越してしまうのは後者で、そのとき作品はその言葉の説明になってしまいます。だからaaploitは、ものとして立つ作品には、その上に立つための床として、技術を外さないようにしていますし、その作品が顕れた理由に注目します。
コンセプチュアル・アートを研究していた頃、同じ時代のミニマル・アートは、アイデアも工夫もないように見えて、さっぱり分かりませんでした。今は、絵画や彫刻の約束事を一つずつ引き算していった末に、形が見えてきた仕事として見ることができます。ミニマルが形を引き算して規則を露わにし、コンセプチュアルはその規則の方を作品として取り出した。二つは、対立というより地続きの関係にあったのだと思います。
参考文献
トニー・ゴドフリー『コンセプチュアル・アート』木幡和枝訳、岩波書店、2001年
Sol LeWitt, "Paragraphs on Conceptual Art," Artforum, June 1967